Marina Olmi "NO SOY UN FLORERO"- Fundación Esteban Lisa. Bs As. 14 de septiembre de 2017

 

Marina Olmi-  "No soy un florero"

 

Diversas manifestaciones atraviesan la obra de Marina Olmi, esta serie donde el dibujo, la tinta y el acrílico resaltan nuestro verdadero interior, pues  atraviesan los sentidos y sin más, somos eso que no se ve a simple vista,  es lo único que queda. Sus esqueletos,  llenos de condimento emocional, hacen de esta obra, una manifestación del lado más puro luego de nuestro paso por estas sendas.  En su última serie, los esqueletos nacen de un camino al laberinto infinito que atraviesa las emociones, una necesidad de comprender una realidad que no elige y a la que pertenece.

 

Su obra aloja un discurso equilibrado entre imágenes cotidianas y un universo onírico propio, en el que la fotografía y la pintura navegan por una apuesta de color audaz que caracteriza toda su obra.

 



Maria Martha Pichel "Arribos" - PS Gallery. Bs As. 22 de Agosto de 2017

Oxido

El proceso creativo es, a mi entender, una tarea que nunca se concluye del todo. Las obras que doy por terminadas, simplemente quedan fuera de mi campo de acción, y se completan con la mirada ajena, que casi nunca coincide con la propia. Lo que aun no consigo realizar, queda oculto pero atento al impulso que lo hará revivir.

Mi trabajo, durante años se enfocó en la representación de los sentimientos.  La figura humana fue el “médium” que elegí, como portador de aquellas emociones.

 Bajo la influencia sobretodo en el gesto y el color, de los pintores expresionistas, fui poco a poco escudriñando en el interior de mis personajes.

Si bien mis obras pertenecen a diferentes temáticas, existen ciertas constantes que funcionan como catalizadores conceptuales y generan nuevas formas de lectura. Un océano separa las exuberantes figuras que danzan decadentes en tugurios de mala muerte, de los buques oxidados que se diluyen en el horizonte. Desertados y vacíos de emoción, mudos testigos de su abandono, avanzan lentos, cargando la majestuosa pesadumbre de su propia extinción.

 Toda nave alberga un alma desertora.  Por eso aquí la niebla es pesada, como el recuerdo y la nostalgia. Esto llevo a que nos identifiquen con el tango y la melancolía. Pero a mi modo de ver, ya nada es así y esta imagen quedo como un sello icónico de una Buenos Aires turística. Solo las naves, ya raídas y con sus colores descascarados, continúan emanando un vaho a leyenda. Su vapor es denso y hueco, como un suspiro resignado. Oceánica es la melancolía que mece sus pesados sueños, sobre un oleaje ficticio de un puerto inexistente.  

 Mi obra intenta reflejar a través de los barcos, parte de un retrato rioplatense. Cada nave, para mí, es comparable a cualquier artista. Las hay con rumbo fijo o a la deriva, otras están vacías, algunas nunca zarpan y otras naufragan.

 

Mientras pinto no pretendo demostrar nada, ni defenderme, ni justificar nada. Solo producir una emoción a quien contempla. Brindo por quienes se atrevan a penetrar la oscura y misteriosa alma de estos monstruos encallados, solo ellos podrán emprender un viaje hacia la reflexión. 



Gonzalo Lauda "FINITUD"- feria de arte BADA. Bs As. 31 ago-3 sept de 2017

 

 

Gonzalo Lauda, con su serie Finitud, estuvo presente en la feria de arte BADA presentando sus obras y relacionándose con artistas de todo el país



Gonzalo Lauda "FINITUD"- Fundación Esteban Lisa. Bs As. 2 de Agosto de 2017

Yo amo los mundos sutiles, ingrávidos y gentiles.

Me gusta mirarlos, verlos pintarse de sol y grana, volar sobre el cielo azul, temblar súbitamente y quebrarse. 

Nunca perseguí la gloria.

Todo pasa, todo queda pero lo nuestro es pasar haciendo caminos, caminos sobre el mar...

Antonio Machado. "Caminante no hay camino".

 

 

Dicen que cuando estas cerca del mar,  montañas, o en esa isla donde el viento azota constante sobre esa llanura árida; cualquiera fuere el sentir, este se profundiza, se arraiga; hace temblar; indagar; encontrarse con ese ser con el que convivimos y desconocemos (nosotros mismos), el corazón se acelera, sólo se escucha el silencio.  Ella " la pacha" ( término que refería solo un tiempo o edad del mundo, un cosmos o universo, pero luego comenzó a ser utilizada para determinar un lugar o espacio, y a la misma tierra como generadora de la vida, como un símbolo de fecundidad). Como dije antes "Ella, La Pacha" nos coloca en un espacio de seres Finitos, se impone ante nosotros, nos modera, si tan solo pudiésemos encontrarnos nuevamente con esa madre, todo sería mas simple.  

Mar tranquilo, aguas calmas,  representan paz de espíritu,  ilusión de nuevos proyectos. El agua simboliza la vida, los sentimientos,  la fecundidad y la prosperidad. Así la Montaña es símbolo de trascendencia, perfección, búsqueda.  

Sin duda cada obra de esta serie representa o refleja algo o mucho de aquello pero sobre todo el amor, la pasión, el dolor, el silencio, lo majestuoso, imponente de nosotros ante ella y de ella ante nosotros.

 nos atraviesa,  una línea marca ese límite entre el cielo y la tierra, como es arriba, es abajo.Tan sólo esa línea en el horizonte marca esa frágil barrera, Tan pequeños pero trascendentales, nos permitimos renacer, limpiar culpas, perdonar. El agua, la montaña, la soledad de la isla, tienen esa fuerza que arrebata en segundos una bocanada de aire, tan sólo seres finitos y sutiles a merced de ella la "pacha".

 

En cada obra, Gonzalo evoca uno a uno este sentir, pintando con su

paleta de emociones, vibraciones que trasciende su fotografía perdurando en La simbología explícita que en ellas existe.

 

Julia ELena Baitalá

Agosto 2017



Cristina Portela "FICCIONES PIADOSAS"- Fundación Esteban Lisa. Bs As. 5 de Julio de 2017

Sólidos y coros, reversiones de una ficción

 

Piadosa es aquella mentira que se cuenta a una persona para evitarle un disgusto y si esta es ficcionada, podemos intuir que tendrá giros, metáforas, estructura de relato. Ficciones piadosas de Cristina Portela en Fundación Esteban Lisa es un acertijo expandido en el espacio de la sala, como pistas dispersas entre las obras de pintura y video. Un enigma que importa menos por sus posibles soluciones que por su mera formulación. La instalación, el diálogo pictórico y audiovisual, nos ofrece la posibilidad de asomarnos a uno de los misterios más grandes para la conciencia humana: el vacío, la inexistencia, la nada, lo que queda cuando ya no estamos.

 

En sus pinturas, Cristina Portela, nos invita a sumergirnos en la negrura del óleo, de la capa sobre capa, el intersticio que queda entre cada franja blanca; ninguna es igual a la otra. O bien, somos enfrentados a todo lo contrario: a un volumen –sugerido por un claroscuro monocromático– que bien podría estar suspendido o en movimiento; ser una entidad real o una metáfora sobre las ideas que, de tanto examinarlas, terminan pesando en nuestra mente. Figuras indescifrables pueblan la última serie de pinturas. Podrían pensarse como parientes lejanas, herencia contemporánea, de los sólidos platónicos que alguna vez existieron para explicar al mundo en sus elementos concretos. Timeo de Locri, en el diálogo de Platón dice «El fuego está formado por tetraedros; el aire, de octaedros; el agua, de icosaedros; la tierra de cubos; y como aún es posible una quinta forma, Dios ha utilizado ésta –el dodecaedro pentagonal– para que sirva de límite al mundo». Mutatis mutandi, en nuestros días digitales y veloces, pareciera como si este límite con el que se enfrenta Dios es mucho más amorfo de lo que antes estábamos dispuestos a observar. Poco importa la respuesta, una vez más, el ejercicio creativo se parece más a un llamado de atención que una verdad a secas.

 

En tándem a las pinturas, vemos una puesta en escena que tiene como protagonista una cifra de diez números. Se abre, así, un escenario al raz del piso con un actor poco convencional que pareciera por momentos enloquecer (esta cifra crece naturalmente hasta que comienza a desvariar acusando algún tipo de malentendido con el espectador) y un coro de videos en el proscenio. El coro clásico griego se fundamenta en un grupo de actores que tomaban el lugar de los “observadores y comentaristas” durante el transcurso de una obra. De esta forma, cumplían roles esenciales que afectan el desarrollo del drama. En Ficciones piadosas este coro, compuesto por tres videos, apunta a desestabilizar el poder de la cifra; son un refuerzo a lo ficcional, señalan lo absurdo de un relato que entre humanos parece intocable. Con el punto de vista del protagonista, el primer video, nos muestra un intento por prolongar la “línea de la vida” con que todos nacemos. La mano, sinécdoque de la artista, se mira en los múltiples espejos que la reflejan. El siguiente video es de una poderosa abstracción cruzada por palabras apropiadas de Hamlet. Un diálogo etéreo en torno de la vida, la muerte, el paso del tiempo y nuestras creencias. Por último, el eterno retorno, existir, nacer, emerger, lograr un cenit y volver a hundirse, es la coreografía de este personaje esencial del coro: la mano de la artista. Omnipresente y por sobre estas tres instancias audiovisuales, la cifra de Dios, crece de manera sincopada, absurda, histriónica, poniendo de relieve la imposibilidad –a pesar de nuestros esfuerzos– por todo algo bajo control.

 

Curadura: Mariana Rodríguez Iglesias

julio de 2017

 

 



Valeria Real "MAGIC PARK"- Fundación Esteban Lisa. Bs As. 7 de Junio de 2017

 

"Real. Con mi curiosidad despierta, elijo fotografiar aquello que pasa a mi alrededor, porque cada toma me transforma y potencia ese momento que ahora es otro, retratado bajo mi mirada”.

                                                                                                                        Valeria Real

La producción de Valeria Real está plagada de detalles, atentos detalles que su lente logra captar.  Su mirada inquieta, solícita, entrenada, encuentra un objeto/instante particular al cual prestarle su atención.  La obra es por toma directa, “el ojo recorta la escena logrando hallar una nueva perspectiva” explica la artista.

Su mirada comprende un mundo de posibilidades, las imágenes tienen características cosmopolitas, remiten a muchos lugares y a la vez a ninguno, traen a cuento como correlato los cielos, que con mayor o menor grado de protagonismo se encuentran presentes en los azules, en los reflejos y se cuelan en cuanta oportunidad encuentran como metáfora de lo inasible. Todas estas, interpretaciones que, a través de su punto de vista, encuentran la oportunidad para recrearse en la imaginación y la idealización del instante.

Varias décadas de desarrollo en el campo tecnológico de la fotografía fueron necesarias para poder captar una imagen de la realidad de forma “instantánea”. Al transitar por diversos lugares, Valeria encuentra en un campo deportivo, en un juego de niños, en un parque de diversiones o en una ciudad cualquiera, ese preciso instante y lo congela para traducirlo en una invocación de ese mismísimo y fugaz momento.

Casi en un despliegue cinematográfico reducido a la más neta expresión, descubre un momento, una situación, un pequeño objeto y allí, queda plasmado para siempre en sus tomas directas.  Encuentra lo ficcional en cada escena captada, en un lugar donde otros ojos no se detendrían; la mirada de Valeria abstrae de repente “ese” instante específico en donde abunda la estructura y el ordenamiento espacial, algo íntimamente ligado a su pasión por la arquitectura.

 

ELIZABETH TORRES

Junio 2017

 

 

 



Daniel Romano "OTRO" - Fundación Esteban Lisa. Bs As. 3 de Mayo de 2017

Yo soy un OTRO, obras de Daniel Romano en Fundación Esteban Lisa

 

Instrucciones de uso

Un sistema, lo único que falta es lo OTRO: usted

 

“Por lo demás, yo estoy destinado a perderme,

definitivamente, y sólo algún instante de mí

podrá sobrevivir en el otro”

 

Jorge Luis Borges, Borges y yo

 

 

Estimado espectador, le sugerimos que aborde la siguiente exposición con una predisposición a hacerla propia. Lo invitamos a ocuparse de la enorme responsabilidad de ser espectador, a hacerse cargo de ese terreno conquistado en duras batallas a medias entre ud. y el artista  (un Ud. histórico, quédese tranquilo, no ese particular que sostiene este documento entre sus manos y un artista abstracto, ese que de a poco fue liberado de la necesidad de ser un genio).

 

Como ya sabe, desde que Marcel Duchamp firmó ese mingitorio que había comprado en un negocio de repuestos para el hogar y lo exhibió en un premio sin mayores modificaciones que haber girado su orientación habitual, pedirle al espectador que sólo mire, recorra y busque algo en lo meramente retiniano de la experiencia estética, dejó de ser una opción viable. Hoy, más que nunca, al arte contemporáneo antes que contemplación, se le pide curiosidad.

A ud. le toca participar, le toca ser parte de la obra… comprometerse con la parte “abierta”. Pero claro, tampoco estamos aquí frente a una obra interactiva; en todo caso, su participación se limitará a resolver los misterios detrás de esta exposición –aquellos en los que ud. elija poner el foco. Por eso, le proponemos tenga siempre en la punta de la lengua la siguiente pregunta ¿qué está pasando aquí?

 

 

Yo soy un OTRO

“Cuando creo que lo tengo, se me va”

Nelly

 

[OTRO se compone de varias piezas, todas ellas apuntando en una misma dirección. Eso que queda suspendido, que toma más vuelo o se apoya con mayor firmeza en ciertas piezas, es algo bastante inasible y difícil de definir. Tal vez por eso, este texto lleva varias palabras acechando la idea sin poder atraparla. Eso que no se deja alcanzar en esta exposición es la pregunta por lo que los OTROS “nos hacen” en relación a nosotros. O, puesto de otra manera, en cómo al asumir e indagar en la existencia de un OTRO podemos reconocer nuestra identidad...]

  

 Mariana Rodríguez Iglesias

 Mayo, 2017



Mariangeles Blanco "Afluencias" - Fundación Esteban Lisa. Bs As. 5 de Abril de 2017

El vocabulario del agua

  

El agua es un material intrigante en el arte contemporáneo, actúa como un vocabulario el cual ejemplifica y articula.

En su variadas y matizadas manifestaciones, el agua abre las condiciones de la contemporaneidad, ofreciendo una ontología del presente, pues el agua en las obras de arte presenta el fluído de nuestra era. Las obras de Mariángeles Blanco documentan e interrogan su superficie como límite, muestran y capturan sus movimientos.

 

Vandana Shiva, la filósofa y escritora india, cita nueve principios básicos de la democratización del agua:

 1. El agua es el regalo de la naturaleza

2. El agua es esencial para la vida

3. La vida se interconecta a través del agua

4. El agua debe ser libre para las necesidades de sustento

5. El agua es limitada y agotable

6. El agua debe ser conservada

7. El agua es un bien común

8. Nadie tiene derecho a destruir

9. El agua no puede ser sustituida

 

¿Qué hace el agua en el arte de hoy?, esto irremediablemente lleva a investigar las formas en que el agua podría materializar su condición contemporánea.

 

Seguimos el agua de cerca, como un material del milenio y un vocabulario del ahora a través de las obras de Mariángeles Blanco.

 

En el arte contemporáneo, el vocabulario del agua materializa las complejidades y dinamismos de nuestra era. Captura y revela la turbulencia y la incertidumbre precaria, la aceleración de la complejidad, su diversidad, la posibilidad sublime.

 

Lo que hay en el mundo, lo que es estar en el mundo y lo que está por venir.

 

Marcelo GUTMAN

Abril 2017